전문 음악가들이 매일 사용하는 고급 아코디언 기술

아코디언은 고급 기술에 관해서 가장 과소 평가 된 악기 중 하나입니다. 많은 전문 음악가가 실제 전문가와 아마추어를 분리하는 뉘앙스를 마스터합니다.이 기사에서는 전문가가 매일 사용하는 기술과 진화를 막는 가장 일반적인 실수를 발견하게됩니다.

몇 년 동안 아코디언을 연주하고 고원에 도달했다고 느낀다면이 콘텐츠는 특별히 당신을 위해 생각되었습니다. 여기서 당신은 “어떻게해야하는지”뿐만 아니라 “왜 그렇게해야하는지”와 종종 중간 개발자를 실제 전문가가되는 길에 가두는 오해를 피하는 방법을 이해할 것입니다.

벨로우즈 컨트롤: 보이지 않는 기초 아무도 지배하지 않습니다

벨로우즈 컨트롤 기법은 아코디언에서 절대적으로 기본이며,대부분의 발전하는 뮤지션들이 첫 번째 큰 실수를 저지르는 곳이 바로 여기입니다. 전문가들은 벨로우즈를 기계적으로 열고 닫을 뿐만 아니라; 그들은 마치 몸의 자연스러운 연장인 것처럼 제어하며,각 동작에서 압력,속도 및 리듬을 조절합니다. 벨로우즈의 컨트롤은 연주되는 각 음표의 역동성,표현력 및 심지어 사운드의 품질까지 결정합니다.

가장 흔한 실수는 실행 내내 풀무에 일정한 압력을 가하는 것입니다. 이렇게 하면 구절에서 역동적인 뉘앙스를 만드는 능력을 완전히 잃게 됩니다. 전문가들은 지속적으로 압력을 변화시켜 자연스러운 크레센도,감소 및 악센트를 만들어내며 이는 손가락뿐만 아니라 풀무와 키보드 사이의 조화로운 작업에서 비롯됩니다. 이러한 통합은 기술적 실행과 진정한 음악적 실행을 구별하는 것입니다.

이것을 마스터하기 위한 구체적인 연습은 간단하지만 헌신이 필요합니다. 지속음 한 개를 연주하고 하루 15 분 동안 벨로우즈 압력 변화만 작업하십시오. 느리고 점진적인 변화로 시작한 다음,변주 속도를 높이면 벨로우즈가 완전히 통제 불능 상태일 때 불가능해 보이는 효과를 만들 수 있다는 것을 깨닫게 될 것입니다. 전문가들은 연주하는 멜로디의 복잡성에 관계없이 모든 음악적 맥락에서 자연스럽게 이 작업을 수행합니다.

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손 독립성: 기본 조정을 넘어서

모든 초보자 뮤지션은 오른손과 왼손 사이의 조정을 훈련시킵니다.그러나 전문가들은 완전히 다른 수준의 독립성을 가지고 작업합니다: 각 손은 서로 완전히 분리 될 수있는 자체 리듬, 관절 및 역동성을 갖춘 별도의 악기로 작동합니다.

이 영역에서 가장 빈번한 실수는 두 손을 너무 많이 동기화하는 것입니다. 왼손이 오른손의 리듬 패턴을 정확히 따르는 곳에서 많은 아코디언 연주자가 연주하는 것을 볼 수 있으며 지루하고 아마추어적인 사운드 질감을 만들어냅니다. 전문가들은 의도적인 폴리리듬증을 만들어 왼손에 복잡한 패턴을 유지하고 오른쪽은 완전히 독립적인 복잡한 멜로디를 연주합니다.

전문가가 사용하는 한 가지 훈련 전략은 오른손의 리듬 구조를 완전히 변화시키면서 왼손의 고정 된 리듬 패턴을 연주하는 것입니다.예를 들어: 왼손에 4 개의 반복되는 음표 패턴을 일정한 시간에 유지하는 반면 오른손은 불규칙한 시간과 다른 악센트에서 멜로디 프레이즈를 느린 시간에 시작하여 자동으로 될 때까지 몇 주 동안 연습 한 다음 점차적으로 증가시킵니다. 이것은 탱고,클래식 음악 및 재즈 전문가가이 날카로운 독립성을 유지하기 위해 정기적으로하는 운동입니다.

기록 영역: 가장 무시되는 측면

많은 개발 뮤지션은 장식 도구로 취급, 다양성을 만들기 위해 가끔 그들을 트리거. 전문가들은 그러나, 작곡 구조의 필수적인 부분으로 레코드를 사용하여, 사운드 전환을 생성하고, 음악 섹션을 강화하고, 심지어 화성 논쟁을 지원하기 위해 정확하게 변경.

여기서 가장 큰 실수는 레코드가 볼륨이나 표면 밝기에 관한 것이 아니라는 것을 이해하지 못하는 것입니다. 레코드의 각 조합은 동일한 연주 내에서 서로 다른 스타일,시간 및 음악적 맥락을 유지할 수있는 완전히 독특한 음색을 만듭니다. 전문가들은 하모니를 연구 한 것처럼 레코드의 조합을 연구하여 다른 구절,화음 및 화성 진행에 가장 잘 작동하는 것을 인식합니다.

가장 좋은 방법은 악기의 사용자 정의 레코드 맵을 만드는 것입니다. 가능한 각 레코드 조합에 각 음표를 탭하고 소리가 어떻게 들리는지 적어 두십시오. 그런 다음 다른 레코드를 체계적으로 통과하는 단일 간단한 멜로디 시퀀스를 재생하십시오. 레코드의 조합이 어떤 음악적 맥락에서 가장 잘 작동하는지 인식하기 시작하십시오. 전문가는 레지스터 변경 만 사용하여 단일 작품의 변형을 만들어 진정으로 악기를 마스터한다는 것을 증명합니다. 이 인내심있는 작업은 음악가를 전문적인 수준으로 자격을 부여하는 직관을 구축합니다.

고급 비브라토 기술: 트레몰로를 훨씬 뛰어넘습니다

트레몰로와 비브라토는 초보자들이 자주 혼동하는 기술이지만,전문가들은 이들을 정확하게 차별화하고 각각을 전략적으로 사용한다. 비브라토는 단지 벨로우즈의 빠른 흔들림이 아니다; 벨로우즈 동작과 멜로디 동작 사이의 완벽한 동기화가 필요한 제어된 볼륨 변조이다. 이는 단순히 아코디언을 연주하는 음악가와 악기를 실제로 마스터하는 음악가를 구별하는 측면이다.

여기서 가장 심각한 실수는 모든 긴 음표에 비브라토를 무차별적으로 적용하는 것이다. 전문가들은 비브라토가 목적을 가지고 사용해야 하는 감정적이고 표현적인 도구라는 것을 알고 있다. 긴 음표는 때때로 감정을 전달하기 위해 강렬한 비브라토가 필요할 수 있지만,다른 맥락에서는 같은 음표가 완전히 명확하고 음량 변동이 없어야 할 수도 있다. 비브라토를 언제 어떻게 적용할지에 대한 결정은 기술적인 것이 아니라 음악적인 것이며,이것은 발전하는 많은 음악가들에게 없는 것이다.

고급 비브라토를 마스터하려면 긴 음을 연주하고 매우 느리고 미묘하며 거의 보이지 않는 비브라토로 시작하십시오. 절대적인 제어를 유지하면서 점차적으로 속도를 높이십시오. 그런 다음 속도와 관계없이 비브라토의 깊이 (강도) 를 작업하십시오. 전문가는 빠르고 얕거나 느리고 깊은 비브라토 또는 중간 조합을 모두 의식적인 통제하에 만듭니다. 이것은 몇 주 동안 집중 연습을해야하지만 소리의 표현 능력을 완전히 변화시키는 기술입니다.

고급 표현: 시간에 대한 인식

아코디언의 조음은 음이 어떻게 시작되는지만이 아니라 공격에서 지속,해제에 이르기까지 사운드의 전체 궤적을 제어하는 것을 의미합니다. 전문가들은 이러한 요소를 조작하여 기술적으로 일어나지 않는 시간,역동성 및 심지어 음조 변화에 대한 청각적 환상을 만들어냅니다. 이것은 예술과 과학을 결합한 것이며,아코디언이 실제로 표현력을 발휘하는 곳입니다.

우리는 조음은 오른손,건반에서만 일어나는 것이라고 생각하는 실수부터 시작합니다. 사실 아코디언의 조음은 오른손이 하는 것과 풀무가 작동하는 방식이 결합된 결과입니다. 갑자기 닫히는 풀무에서 나오는 하드 어택으로 같은 음과 완전히 다른 소리를 점진적으로 여는 풀무에서 나오는 부드러운 타악기 어택이 있는 음표입니다. 전문가들은 이 모든 매개변수를 동시에 제어하여 매우 정교한 사운드 질감을 만듭니다.

실용적인 연습은 간단한 멜로디 시퀀스를 선택하고 10 개의 다른 관절로 연주하는 것입니다. 예를 들어: 하드 어택과 일정한 벨로우즈로 시퀀스를 연주 한 다음 소프트 어택과 성장하는 벨로우즈로,그리고 하드 어택과 감소하는 벨로우즈로 각 조합이 동일한 멜로디 자료에 대해 완전히 다른 인식을 만드는 방법을 탐구하는 데 전념하십시오. 전문가들은 오디션에서 기술적 숙달을 보여주고 각 맥락에서 음악적 의도를 가장 잘 전달하는 조인트를 선택하기 위해 이와 같은 변형을 만듭니다.

고급 점수 읽기 및 실시간 적응

악보를 읽는 것은 한 가지입니다; 음악적으로 의사 소통하면서 실시간으로하는 것은 상당히 다른 것입니다. 전문가는 쓰여진 것을 연주 할뿐만 아니라 음악이 역동성,호흡, 프레이징 및 감정적 인 의도 측면에서 무엇을 의미하는지 직관적으로 이해할 수있는 악보와의 관계를 발전시켜 연주의 맥락에 따라 실시간으로 실행을 조정할 수 있습니다.

우리가 끊임없이 보는 실수는 음악이 실제로 무엇을 의미하는지에 집중하기 위해 올바른 음을 연구하는 매우 바쁜 음악가입니다. 음을 빨리 읽을 수있을 때 다음 단계는 연주하면서 역동성,음악적 표현 및 화성 구조를 읽기 시작하는 것입니다. 전문가는 알 수없는 악보를보고 이미 어떤 섹션이 더 표현력이 필요한지,어떤 벨로우즈 패턴이 가장 잘 작동하는지,어떤 레코드가 작곡가의 의도를 증폭시킬 것인지 알 수 있습니다.

이 기술을 개발하는 연습은 정기적으로 새로운 작품을 읽고 연주하며 연주를 시작하기 전에 항상 전체 구조를 먼저 분석하는 것입니다. 모양 (ABA,론도, 변주곡이있는 테마), 음조,주요 화성 진행 및 일반적인 역학을 식별 한 다음 그 실행이 이러한 구조를 향상시킬 수있는 방법에 대해 생각하면서 작품을 연주하십시오. 다른 스타일과 기간의 조각으로 매주이 작업을 수행하십시오. 전문가들은 평생 동안이 습관을 유지하여 음악적 이해를 지속적으로 확장합니다.

음악적 호흡 기술: 전문 문구

음악적 프레이징은 아마추어와 프로가 가장 명확하게 구분되는 부분입니다. 적절한 시간에 적절한 음을 연주하는 것이 아닙니다; 음악으로 호흡하고,긴장과 해상도를 만들고,감정적 여정을 통해 청취자를 안내하는 것입니다. 프로는 노래하는 것처럼 아코디언을 연주하며,자연스러운 호흡으로 프레이즈가 시작되고,발달되고, 유기적으로 해결됩니다. 풀무는 여기서 음악적 호흡 도구로 작동합니다.

가장 흔한 실수는 작품의 어법 구조를 완전히 무시하는 것입니다. 초보자는 일관된 음악 문구를 만드는지 걱정하지 않고 음표별로 연주합니다. 전문가는 일반적인 음악 문구가 약 4 ~ 8 마디로 이루어져 상대적인 긴장감의 지점에서 시작하여 발전하고 해결합니다. 그들은 이러한 자연 구조를 존중하여 연주하며 적절한 경우 호흡 일시 중지를 만들고 중요한 음을 확장하며 전환 음을 줄입니다. 이것이 음악을 기계적인 대신 살아있는 것처럼 보이게 만듭니다.

프레이징 작업을 하려면 곡을 선택하고 노래를 부르면 자연스럽게 숨을 쉴 수 있는 곳을 분석하세요. 그런 다음 아코디언의 이러한 호흡 지점에서 상당한 시간을 할애하여 소리가 약간 감소하도록 한 후 계속하세요. 벨로우즈를 작동하여 각 문장의 중요한 음표에 부풀어오르고 장식 음표에 일관된 유지 관리를 합니다. 전문가들은 프레이징에 대한 해석이 다른 동일한 곡의 변형을 연주하여 동일한 멜로디 요소를 사용하여 다양한 감정을 전달할 수 있음을 증명합니다.

교육 빈도 및 실제 조직

이러한 기술을 아는 것만으로는 충분하지 않습니다; 모든 기술을 일관되게 연습하는 시스템이 필요합니다. 전문가는 주제별 블록에서 교육을 조직하고 각 기술 측면을 작업하기 위해 특정 기간을 바칩니다. 전문가의 일반적인 세션은 일반적인 워밍업 (저울,아르페지오, 기술 연구) 으로 시작한 다음 하나 또는 두 가지 고급 기술에 중점을 둔 작업으로 이동하고 레퍼토리 실행으로 끝납니다.

우리가 많은 개발 뮤지션에서 볼 수있는 실수는 동시에 모든 작업을 시도하거나 덜 흥미로워 보이기 때문에 특정 측면을 무시하는 것입니다. 전문가들은 풀무 제어,손 독립성,레코드 및 조음의 숙달이 똑같이 중요하며 정기적 인 관심이 필요하다는 것을 알고 있습니다. 일주일 동안은 비브라토에 집중적으로 집중할 수 있으며,다음은 손 독립성,세 번째는 레지스트리 변경에 집중하며 모든 측면은 매일 관심을받습니다.

매일 연습 세션을 이렇게 구성하십시오: 10 분간의 동적 벨로우즈 워밍업,특정 고급 기술에서 15 분,배운 기술을 적용하는 데 중점을 둔 20 분 작업 레퍼토리,완벽의 압력없이 순수한 즐거움을 위해 연주하는 10 분. 이 시스템은 악기의 재미를 유지하면서 항상 발전하고 있음을 보장합니다. 전문가는 즉각적인 목표에 따라 이러한 비율을 조정하지만 전체 구조는 일관되게 유지됩니다.

특정 스타일과 다양한 기술

아코디언은 다재다능하며 다양한 음악 스타일로 나타납니다: 탱고,클래식 음악,재즈, 민속 음악,브라질 음악. 각 스타일은 고급 기술의 다른 응용 프로그램을 필요로합니다. 탱고를 연주하는 전문가는 재즈를 연주하는 사람과 완전히 다른 비브라토와 조음의 숙달이 필요합니다. 클래식 음악 아코디언 연주자는 역동성과 프레이징으로 많은 작업을하는 반면 민속 음악 중 하나는 레코드의 숙달을 더 강조 할 수 있습니다.

여기서의 실수는 이러한 고급 기술이 모든 맥락에서 동일하게 작동한다고 생각하는 것입니다. 그들은 그렇지 않습니다. 여러 스타일로 작업하는 전문가는 기술을 적용하는 방법에 대한 이해를 발전시킵니다. 볼레로에서 완벽하게 작동하는 비브라토는 왈츠에서 인공적으로 들릴 수 있습니다; 탱고에서 필수적인 손 독립 패턴은 낭만적 인 클래식 음악에서는 부적절 할 것입니다. 기술적 다양성은 기본 원칙을 이해하고 나서 상황에 맞게 적용하는 데서 비롯됩니다.

진정으로 다재다능한 전문가가되고 싶다면 다양한 스타일의 아코디언을 연주하는 전문가의 예를 연구하십시오. 동일한 기술을 다른 상황에 어떻게 적용하는지 관찰하십시오. 다양한 스타일로 동일한 작품을 연주하고 다양한 조음,벨로우즈 및 레지스터를 사용하여 다른 분위기를 조성하십시오. 이 문체 적응 작업은 기술적으로 훌륭한 많은 음악가들이 진정한 전문성으로의 진화에 실패하는 곳입니다.

개발을 지연시키는 일반적인 실수

전문성을 얻으려 하지만 한 지점을 넘어서 진화할 수 없는 음악가들에게 반복적으로 나타나는 어떤 실수가 있다. 첫 번째는 표현 도구로서의 풀무를 소홀히 하는 것이다. 많은 사람들은 마치 풀무가 공기를 옮기기 위해 필요한 것처럼 연주한다; 전문가들은 그것이 그들이 가진 가장 표현력이 풍부한 악기라는 것을 알고 그렇게 취급한다. 두 번째 실수는 음악적 성찰 없이 기술적으로 연습하는 것이다. 어려운 구절을 500 번 연습할 수 있지만,음악이 무엇을 의미하는지 생각하지 않고 기계적으로 연습한다면,당신은 결코 전문적인 수준에 도달하지 못할 것이다.

세 번째 흔한 실수는 자신을 규칙적으로 녹음하지 않는 것이다. 전문가들은 자신이 어떻게 들리는지 객관적으로 듣기 위해 끊임없이 자신을 녹음한다. 연주할 때는 완전히 들을 수 없다; 당신의 인식은 실행을 감시하는 것과 음악적으로 소통하려는 것 사이에서 희석된다. 녹음은 당신이 가지고 있는지도 몰랐던 습관,역학의 결핍,가지지 않겠다고 맹세한 시간 문제를 드러낸다. 네 번째 실수는 너무 어려워 보이는 부분이나 기술을 피하는 것이다. 전문가들은 실제 성장이 일어나는 것이 불편함의 공간이라는 것을 알고 자신을 두렵게 하는 것을 정확히 공격한다.

거의 논의되지 않는 다섯 번째 실수는 악기와의 관계를 무시하는 것입니다. 전문가들은 아코디언을 강박적으로 돌보고,잘 조율하고,역학을 이해하고,강점과 약점을 알고 있습니다. 무언가가 좋게 들리지 않을 때,그들은 그것이 그들의 기술적 문제인지 또는 악기의 유지 보수가 필요한지 알 수 있습니다. 그들은 아코디언을 소유의 대상이 아니라 공동 작업 파트너로 취급합니다. 이러한 측면은 악기의 관리를 제쳐두고 기술에만 집중하는 개발중인 음악가들에 의해 종종 무시됩니다.

학습 자원 및 전문 커뮤니티

현대 세계에서 고급 아코디언을 배우기 위한 자료는 그 어느 때보다도 접근하기 쉽습니다. 기술을 시연하는 전문가의 동영상,특정 측면에 초점을 맞춘 온라인 강좌,전문 아코디언 연주자가 전략과 경험을 공유하는 커뮤니티를 찾을 수 있습니다. 이러한 자료의 품질은 엄청나게 다양하므로 분별력이 중요합니다. 전문가가 훌륭하게 연주하는 비디오가 반드시 기술을 복제하는 방법을 가르쳐주는 것은 아닙니다; 결과뿐만 아니라 프로세스를 설명하는 리소스가 필요합니다.

우리가 보는 실수는 콘텐츠의 수동적 흡수와 능동적 학습을 혼동하는 것입니다. 아코디언을 연주하는 전문가의 비디오를 100 개 볼 수 있지만,눈에 보이는 것을 의도적으로 연습하지 않으면 진화하지 않습니다. 최고의 자원은 일시 중지하고 모방하려고 시도하고 반복적으로 연습하고 그들에게 돌아갈 수있는 자원입니다. 또한 전문 아코디언 연주자 인 교사를 찾는 것은 절대적으로 매우 중요합니다. 일주일에 한 번 수업에 관한 것이 아닙니다; 습관이 결정화되기 전에 악기를 교정 할 수있는 전문적인 수준의 악기를 이해하는 사람이있는 것입니다.

다른 아코디언 연주자,특히 전문가와의 연결은 관점과 동기를 제공합니다. 전문 음악가와 함께 대회,워크샵 및 마스터 클래스에 참여하면 다양한 기술과 사고 방식에 노출됩니다. 많은 전문가들은 더 집중적으로 훈련하도록 영감을 준 다른 전문가의 콘서트에 참석하여 여정을 시작했습니다. 적극적으로이 커뮤니티를 찾으십시오; 그들의 도전에 취약하고 피드백에 개방적입니다. 대부분의 아코디언 전문가들은 고립되지 않고 다른 전문가의 지속적인 도움으로 기술을 개발했습니다.

FAQ 고급 Acordeon 기술에 대해 자주 묻는 질문입니다

이러한 고급 기술을 익히는 데 얼마나 걸립니까? 전문가들은 일반적으로 진정한 숙달을 달성하기 전에 매일 연습하는 데 5 ~ 10 년을 바칩니다.그러나 집중 연습을 한 지 몇 달 이내에 이러한 기술의 혜택을 누릴 수 있습니다.

어떤 기술을 먼저 배워야 할까요? 그것은 다른 모든 것에 대 한 기초로,벨로우즈 제어로 시작 하는 것이 좋습니다. 다음 손의 독립성과 기록의 숙달에 대 한 작업. 다른 기술은 일단이 세 가지 고체 쉽게 될 것입니다. 그러나,당신은 완전히 다음 시작 하기 전에 하나를 마스터 할 필요가 없습니다; 진행 반복.

내가 제대로 연습하고 있는지 어떻게 알 수 있나요? 자신을 정기적으로 녹음하고 동일한 레퍼토리를 연주하는 전문가와 비교하십시오.보다 숙련 된 교사 또는 음악가로부터 피드백을 구하십시오. 몇 주간의 연습 후에 진전을 느끼지 못한다면 의식적인 집중없이 기계적으로 연습하고있을 것입니다.

내가 연주하는 아코디언 스타일이 이러한 기술을 배우는 데 중요한가요? 절대적으로. 탱고 아코디언은 벨로우즈 감도,버튼 저항 및 음질면에서 클래식 음악 아코디언과 크게 다릅니다. 기본 기술은 특정 응용 프로그램을 제외한 모든 분야에서 작동합니다. 당신과 같은 유형의 악기를 연주하는 전문가를 연구하십시오.

선생님 없이도 이런 기술을 배울 수 있나요? 가능하지만 훨씬 느리고 나쁜 습관을 개발할 위험이 큽니다. 전문적인 교사는 수개월 간의 비효율적 인 연습에서 당신을 구하고 문제가 뿌리 내리기 전에 문제를 해결할 수 있습니다. 교사 1 인당 비용을 지불 할 여유가 없다면 양질의 온라인 강좌에 투자하고 아코디언 연주자 커뮤니티에서 멘토를 찾으십시오.

전문적인 수준에 도달하려면 매일 얼마나 연습해야 합니까? 전문가들은 일반적으로 매일 1 ~ 3 시간 동안 연습하고 해당되는 경우 그룹 또는 공연 리허설을 더합니다. 그러나 품질은 양보다 뛰어납니다. 한 시간의 집중적 인 집중 연습은 기계적으로 3 시간 이상의 가치가 있습니다.

긴 학습 과정에서 어떻게 동기를 유지합니까? 매주 달성 가능한 작은 목표를 설정하세요. 기술적인 공부뿐만 아니라 좋아하는 음악을 연주하세요. 다른 아코디언 연주자들과 소통하세요. 비공식적인 맥락에서도 정기적으로 대중 앞에서 연주하세요. 작은 발전을 축하하세요. 애초에 아코디언 연주를 시작한 이유를 기억하세요. 이 경력에서 수십 년을 버틴 전문가들은 단지 기술을 익혔기 때문이 아니라 악기를 사랑하기 때문에 이 일을 해냈습니다.

결론: 기술에서 진정한 전문성으로

전문가들이 매일 사용하는 고급 기술은 접근하기 어려운 비밀이 아닙니다. 이는 의도적 인 연습,지속적인 피드백 및 지속적인 개선에 대한 헌신을 통해 배우고 개발하고 개선 할 수있는 기술입니다. 볼 컨트롤,손 독립성,레코드 숙달,고급 비브라토,정교한 조음 및 음악 프레이징은 모두 아코디언을 연주하는 사람을 진정한 음악가로 변화시키는 필수 구성 요소입니다.

우리가 여기서 논의하는 실수는 도덕적 결함이 아닙니다; 그들은 단순히 음악 학습의 길에서 흔히 발생하는 편차입니다. 이러한 실수를하는 곳을 인식하는 것이 이를 수정하는 첫 번째 단계입니다. 표현 도구로서의 풀무를 소홀히하고 음악적 반영없이 기계적으로 연습하고 도전적인 조각을 피하거나 자신을 충분히 기록하지 않을 수 있습니다. 이러한 각 문제는 즉시 구현을 시작할 수있는 명확하고 실용적인 솔루션을 가지고 있습니다.

전문가들과 헌신적 인 아마추어를 구분하는 것은 타고난 재능이 아니라 (도움이되지만) 일관성,비판적 인 반성과 개선 서비스에 불편 함을 느끼려는 의지입니다. 전문가들은 음악이 살아있는 예술이며 항상 진화하고 있다는 것을 이해하기 때문에 수십 년 동안 경력을 쌓아 기술을 계속 배우고 개선합니다. 아코디언에서 전문적인 수준에 도달하는 것에 대해 진지하게 생각한다면,우리가 논의 한 연습 구조를 구현하고,우리가 확인한 일반적인 실수를 피하고 인내심과 고의적 인 의도로 그 과정에 헌신하십시오. 길은 길지만 정말로 그것을 겪고 싶은 사람에게는 절대적으로 달성 가능합니다.