Täiustatud akordionitehnikad, mida professionaalsed muusikud kasutavad iga

Kui oled paar aastat akordionit mänginud ja tunned, et oled jõudnud platoole, siis on see sisu sinu jaoks spetsiaalselt läbi mõeldud. Siin saad aru mitte ainult „kuidas teha“, vaid ka „miks seda teha“ ja kuidas vältida väärarusaamu, mis tihtipeale lukustavad vahearendajad oma teel tõelisteks professionaalideks.

Lõõtsakontroll: nähtamatu sihtasutus, mida keegi ei domineeri

Lõõtsa juhtimise tehnika on akordionis absoluutselt fundamentaalne ja just siin teeb enamik arenevaid muusikuid oma esimese suure vea. Professionaalid mitte ainult ei ava ega sulge lõõtsa mehaaniliselt; nad kontrollivad seda nii, nagu oleks see keha loomulik pikendus, moduleerides survet, kiirust ja rütmi igas liigutuses. Lõõtsa juhtimine määrab dünaamika, väljendusrikkuse ja isegi heli kvaliteedi igas mängitavas noodis.

Kõige tavalisem viga on hoida lõõtsadele kogu täitmise ajal pidevat survet. Kui teete seda, kaotate täielikult võimaluse luua lõikudes dünaamilisi nüansse. Spetsialistid varieerivad survet pidevalt, luues loomulikke crescendosid, kahanemist ja aktsente, mis tulevad mitte ainult sõrmedest, vaid lõõtsa ja klaviatuuri vahelisest koordineeritud tööst. See integratsioon eristab tehnilist teostust tõeliselt muusikalisest teostusest.

Spetsiifiline praktika selle valdamiseks on lihtne, kuid nõuab pühendumist. Mängige ühte püsivat nooti ja töötage 15 minutit päevas ainult lõõtsa rõhu variatsiooniga. Alustage aeglastest ja järkjärgulistest muutustest, seejärel suurendage variatsioonide kiirust. Saate aru, et suudate luua efekte, mis tunduvad võimatud, kui lõõts on täiesti kontrolli alt väljas. Professionaalid teevad seda loomulikult igas muusikalises kontekstis, olenemata nende esitatavast meloodilisest keerukusest.

Acordeoni klaver Sanfona Cassoto Klassifikatsioon: ”Ma arvan, et see on. 4.91 Vanuse klassifikatsioon: Tasuta Klassifikatsioon Autor: GMobileri rakendused Platvorm: Android Hind: Tasuta 👉Allalaadimine Google Plays

Käte sõltumatus: väljaspool põhikoordinatsiooni

Iga algaja muusik treenib koordinatsiooni parema ja vasaku käe vahel. Professionaalid töötavad aga täiesti erineva iseseisvuse tasemega: iga käsi töötab eraldi instrumendina, millel on oma rütmid, liigesed ja dünaamika, mida saab üksteisest täielikult lahti ühendada.

Kõige sagedasem viga selles valdkonnas on kahe käe liigne sünkroniseerimine. Näete palju akordioniste mängimas seal, kus vasak käsi järgib täpselt parema käe rütmilist mustrit, luues igava ja amatöörliku helitekstuuri. Professionaalid loovad tahtliku polürütmia, hoides vasakus käes keerulisi mustreid, samal ajal kui parem esitab keerukaid meloodiaid täiesti sõltumatult.

Üks koolitusstrateegia, mida professionaalid kasutavad, on mängida fikseeritud rütmilisi mustreid vasakul käel, muutes samal ajal rütmilist struktuuri paremal käel täielikult. Näiteks: hoidke vasaku käe nelja korduva noodi mustrit konstantsel ajal, samal ajal kui parem käsi mängib ebaregulaarsetel aegadel ja erinevatel aktsentidel meloodilisi fraase. Alustage aeglasest ajast, harjutage nädalaid, kuni see muutub automaatseks, seejärel suurendage järk-järgult. See on harjutus, mida tango, klassikalise muusika ja jazzi professionaalid selle terava iseseisvuse säilitamiseks regulaarselt teevad.

Kirjete domeen: kõige tähelepanuta jäetud aspekt

Paljud arenevad muusikud käsitlevad neid dekoratiivsete vahenditena, käivitades neid vaid aeg-ajalt, et luua vaheldust. Professionaalid kasutavad aga plaate kompositsioonilise struktuuri lahutamatu osana, muutes neid just heliüleminekute loomiseks, muusikaliste lõikude tugevdamiseks ja isegi harmooniliste argumentide toetamiseks.

Suurim viga on siin mitte arusaamine, et plaadid ei puuduta helitugevust ega pinna heledust. Iga plaatide kombinatsioon loob täiesti unikaalse tämbri, mis suudab sama esituse raames säilitada erinevaid stiile, aegu ja muusikalisi kontekste. Spetsialistid uurivad plaatide kombinatsioone nii, nagu nad uuriksid harmooniat, tundes ära, millised neist töötavad kõige paremini erinevate lõikude, akordide ja harmooniliste progressioonide puhul. Selleks on vaja sügavaid teadmisi selle kohta, millised plaadid on aktiivsed teie konkreetse akordioni igas asendis.

Parim tava on luua oma instrumendi kohandatud plaadikaart. Puudutage iga võimalikku plaadikombinatsiooni iga nooti ja kirjutage üles, kuidas need kõlavad. Seejärel mängige süsteemselt ühte lihtsat meloodilist jada, mis läbib erinevaid plaate. Alustage tuvastamist, milline plaatide kombinatsioon millise muusikalise konteksti jaoks kõige paremini töötab. Professionaalid teevad ühest teosest variatsioone, kasutades ainult registrimuudatusi, tõestades, et nad valdavad pilli tõeliselt. See kannatlik töö loob intuitsiooni, mis kvalifitseerib muusiku professionaalsele tasemele.

Täiustatud Vibrato tehnika: kaugel väljaspool Tremolot

Tremolo ja vibrato on tehnikad, mida algajad sageli segadusse ajavad, kuid professionaalid eristavad neid täpselt ja kasutavad igaüht strateegiliselt. Vibrato ei ole lihtsalt lõõtsa kiire raputamine; see on kontrollitud helitugevuse modulatsioon, mis nõuab täiuslikku sünkroniseerimist lõõtsa liikumise ja meloodilise liikumise vahel. See on aspekt, mis eristab muusikuid, kes lihtsalt mängivad akordioni, muusikutest, kes pilli tõeliselt valdavad.

Kõige tõsisem viga on siin vibrato valimatult rakendamine kõikidele pikkadele nootidele. Spetsialistid teavad, et vibrato on emotsionaalne ja väljendusrikas vahend, mida tuleks kasutada sihipäraselt. Pikk noot võib mõnikord vajada intensiivset vibratot, et kanda emotsiooni, samas kui teises kontekstis võib sama noot vajada täiesti selget ja ilma helitugevuse kõikumiseta. Otsus, millal ja kuidas vibratot rakendada, on muusikaline, mitte tehniline ja see on see, mis paljudel arenevatel muusikutel puudub.

Täiustatud vibrato valdamiseks mängige pikka nooti ja alustage väga aeglase ja peene, peaaegu nähtamatu vibratoga. Järk-järgult suurendage kiirust, säilitades samal ajal absoluutse kontrolli. Seejärel töötage vibrato sügavus (intensiivsus) kiirusest sõltumatult. Spetsialistidel õnnestub teha kiire ja madal või aeglane ja sügav vibrato või mis tahes vahepealne kombinatsioon, mis kõik on teadliku kontrolli all. See on tehnika, mis nõuab nädalaid keskendunud harjutamist, kuid muudab täielikult teie heli väljendusvõimet.

Täiustatud liigendus: aja tajumine

Artikulatsioon akordionis tähendab mitte ainult noodi alguse kontrollimist, vaid kogu teie heli trajektoori rünnakust kuni püsimiseni kuni vabastamiseni. Spetsialistid manipuleerivad nende elementidega, et luua kuulmisillusioone ajast, dünaamikast ja isegi tonaalsetest muutustest, mida tehniliselt ei toimu. See on kunst ja teadus koos ning siin muutub akordion tõeliselt väljendusrikkaks.

Alustame veast, kui arvame, et artikulatsioon on midagi, mis esineb ainult paremas käes, klaviatuuril. Tegelikult on artikulatsioon akordionis parema käe tegemiste ja lõõtsa toimimise kombinatsiooni tulemus. Pehme löökrünnakuga noot, mis tuleb lõõtsast, mis järk-järgult avab, kõlab täiesti erinevalt samast noodist, kusjuures tugev rünnak tuleb järsult sulguvast lõõtsast. Spetsialistid kontrollivad kõiki neid parameetreid samaaegselt, et luua väga keerukaid helitekstuure.

Praktiline harjutus on valida lihtne meloodiajada ja mängida seda 10 erineva liigendiga. Näiteks: mängida jada kõva rünnaku ja pideva lõõtsaga, seejärel pehme rünnaku ja kasvava lõõtsaga, seejärel raske rünnaku ja väheneva lõõtsaga jne. Pühenduge uurima, kuidas iga kombinatsioon loob täiesti erineva ettekujutuse samast meloodiamaterjalist. Spetsialistid teevad selliseid variatsioone, et näidata prooviesinemistel tehnilist meisterlikkust ja valida, milline ühine igas kontekstis muusikalist kavatsust kõige paremini edastab.

Täpsem skoori lugemine ja reaalajas kohandamine

Noodilugemine on üks asi; reaalajas muusikalise suhtlemise ajal tegemine on hoopis teine asi. Professionaalidel tekib partituuriga suhe, mis võimaldab mitte ainult kirjapandut esitada, vaid ka intuitiivselt mõista, mida muusika tähendab dünaamika, hingamise, fraseerimise ja emotsionaalse kavatsuse osas. See võimaldab neil oma teostust reaalajas kohandada, lähtudes esituse kontekstist.

Viga, mida me pidevalt näeme, on väga hõivatud muusikud, kes uurivad õigeid noote, et keskenduda sellele, mida muusika tegelikult tähendab. Kui saate noote kiiresti lugeda, on järgmine samm hakata mängima mängides lugema dünaamikat, muusikalisi väljendeid ja harmoonilist struktuuri. Spetsialistid saavad vaadata tundmatut partituuri ja juba teavad, millised lõigud vajavad rohkem väljendusrikkust, milline lõõtsamuster töötab kõige paremini ja millised plaadid võimendavad helilooja kavatsust.

Selle oskuse arendamise tava on lugeda ja esitada regulaarselt uusi palasid, analüüsides alati kõigepealt täielikku struktuuri enne mängimise alustamist. Tuvastage kuju (ABA, rondo, teema variatsioonidega), tonaalsus, peamised harmoonilised progressioonid ja üldine dünaamika. Seejärel mängige teost, mõeldes, kuidas selle täitmine võib neid struktuure täiustada. Tehke seda iganädalaselt erinevate stiilide ja perioodide tükkidega. Professionaalid säilitavad selle harjumuse kogu elu, laiendades pidevalt oma muusikalist arusaamist.

Muusikalised hingamistehnikad: professionaalne fraas

Muusikaline fraseerimine on koht, kus amatöörid ja professionaalid eralduvad kõige selgemalt. See ei seisne õigete nootide mängimises õigel ajal; see on muusikaga hingamine, pinge ja resolutsiooni tekitamine ning kuulaja suunamine läbi emotsionaalse teekonna. Professionaalid mängivad akordionit nii, nagu nad laulaksid, loomulike hingetõmmetega, kus fraasid algavad, arenevad ja lahenevad orgaaniliselt. Lõõts töötab siin muusikalise hingamisvahendina.

Kõige tavalisem viga on teose fraseoloogilise struktuuri täielik ignoreerimine. Algajad mängivad noodi haaval, muretsemata, kas nad loovad sidusaid muusikalisi fraase. Spetsialistid teavad, et tüüpilisel muusikalisel fraasil on ligikaudu 4 kuni 8 takti, see algab suhtelise pinge punktist, areneb ja laheneb. Nad mängivad neid looduslikke struktuure austades, luues vajaduse korral hingamispause, laiendades olulisi noote ja vähendades üleminekunoote. See muudab muusika mehaanilise asemel elavaks.

Fraseerimise töötamiseks valige tükk ja analüüsige, kus te laulmise korral loomulikult hingaksite. Seejärel võtke märkimisväärne aeg nendest hingamispunktidest akordionis, lastes helil enne jätkamist veidi laguneda. Töötage lõõtsaga, et tekitada iga lause olulistes nootides paistetusi ja dekoratiivsetes nootides järjepidevat hooldust. Professionaalid teostavad sama teose variatsioone erinevate fraseerimistõlgendustega, tõestades, et nad suudavad edastada erinevaid emotsioone samade meloodiaelementide abil.

Koolituse sagedus ja praktiline korraldus

Nende tehnikate tundmisest ei piisa; vajate süsteemi, et neid kõiki järjepidevalt harjutada. Spetsialistid korraldavad oma koolituse temaatilistes plokkides, pühendades iga tehnilise aspekti töötamiseks konkreetsed perioodid. Professionaali tüüpiline seanss algab üldise soojendusega (kaalud, arpedžod, tehnilised uuringud), seejärel liigub tööle, mis keskendub ühele või kahele täiustatud tehnikale, ja lõpeb repertuaari teostamisega.

Viga, mida näeme paljudes arenevates muusikutes, on see, et üritame kõike korraga töötada või ignoreerime teatud aspekte, sest need tunduvad vähem huvitavad. Spetsialistid teavad, et lõõtsakontroll, käte sõltumatus, plaatide valdamine ja liigendamine on võrdselt olulised ja vajavad regulaarset tähelepanu. Üks nädal võib keskenduda intensiivselt vibratole, järgmine käte sõltumatusele, kolmas registrimuudatustele, samas kui kõik aspektid saavad igapäevast tähelepanu.

Struktureerige oma igapäevane treeningsessioon nii: 10 minutit dünaamilist lõõtsa soojendust, 15 minutit konkreetses täiustatud tehnikas, 20 minutit töörepertuaari, mis keskendub õpitud tehnikate rakendamisele, ja 10 minutit puhta naudingu nimel mängimist ilma täiuslikkuse surveta. See süsteem tagab, et edenete alati, hoides pilli lõbusana. Spetsialistid kohandavad neid proportsioone teie vahetute eesmärkide põhjal, kuid üldine struktuur jääb järjepidevaks.

Spetsiifilised stiilid ja erinevad tehnikad

Akordion on mitmekülgne ja esineb paljudes erinevates muusikastiilides: tango, klassikaline muusika, jazz, rahvamuusika, Brasiilia muusika. Iga stiil nõuab arenenud tehnikate erinevaid rakendusi. Professionaal, kes mängib tangot, vajab vibrato ja artikulatsiooni meisterlikkust, mis on täiesti erinev sellest, kes mängib jazzi. Klassikalise muusika akordionist töötab palju dünaamika ja fraseerimisega, samas kui üks rahvamuusikast võib rõhutada rohkem plaatide meisterlikkust.

Viga on siin selles, et mõeldakse, et need arenenud tehnikad töötavad kõikides kontekstides ühtemoodi. Nad ei tee seda. Mitmes stiilis töötavatel spetsialistidel tekib arusaam, kuidas tehnikaid kohandada. Vibrato, mis töötab suurepäraselt boleros, võib valsis kõlada kunstlikult; käe sõltumatuse muster, mis on tangos hädavajalik, oleks romantilises klassikalises muusikas ebapiisav. Tehniline mitmekülgsus tuleneb aluspõhimõtete mõistmisest ja seejärel nende kontekstuaalsest rakendamisest.

Kui soovite saada tõeliselt mitmekülgseks professionaaliks, uurige näiteid professionaalidest, kes mängivad akordioni erinevates stiilides. Jälgige, kuidas nad kohandavad samu tehnikaid erinevatele kontekstidele. Mängige sama teost mitmes stiilis, erineva artikulatsiooni, lõõtsa ja registritega, et luua erinevaid meeleolusid. See stiililine kohandustöö on koht, kus paljud tehniliselt head muusikud ebaõnnestuvad oma arengus tõelise professionaalsuseni.

Levinud vead, mis seiskuvad arengus

On teatud vigu, mis ilmnevad korduvalt muusikutes, kes püüavad saavutada professionaalsust, kuid ei suuda areneda ühest punktist kaugemale. Esimene on jätta lõõtsad kui väljendusrikas tööriist tähelepanuta. Paljud mängivad nii, nagu oleks lõõtsa vaja ainult õhu liigutamiseks; spetsialistid teavad, et see on kõige väljendusrikkam instrument, mis neil on, ja käsitlevad seda sellisena. Teine viga on harjutada tehniliselt ilma muusikalise refleksioonita. Võite harjutada rasket lõiku 500 korda, kuid kui harjutate mehaaniliselt, mõtlemata sellele, mida muusika tähendab, ei jõua te kunagi professionaalsele tasemele.

Kolmas levinud viga on mitte ennast regulaarselt salvestada. Professionaalid salvestavad end pidevalt, et objektiivselt kuulda, kuidas nad kõlavad. Kui mängite, ei kuule te täielikult; teie taju lahjendatakse esituse jälgimise ja muusikalise suhtlemise katse vahel. Salvestised paljastavad harjumused, mida te isegi ei teadnud, et teil on, dünaamika puudused, ajaprobleemid, mida te vandusite, et teil pole. Neljas viga on vältida osi või tehnikaid, mis tunduvad liiga keerulised. Professionaalid ründavad täpselt seda, mis neid hirmutab, teades, et just selles ebamugavuse ruumis toimub tõeline kasv.

Viies viga, millest harva räägitakse, on suhte pilli hooletusse jätmine. Professionaalid hoolitsevad akordioni eest obsessiivselt, hoiavad seda hästi häälestatuna, mõistavad selle mehaanikat, teavad selle tugevaid ja nõrku külgi. Kui miski ei kõla hästi, teavad nad, kas see on nende tehniline probleem või vajab pill hooldust. Nad käsitlevad akordioni mitte omandiobjektina, vaid koostööpartnerina. Seda aspekti ignoreerivad sageli arenevad muusikud, kes keskenduvad ainult tehnikale, jättes pilli eest hoolitsemise kõrvale.

Õpperessursid ja professionaalne kogukond

Kaasaegses maailmas on arenenud akordioni õppimiseks mõeldud ressursid kättesaadavamad kui kunagi varem. Leiate videoid professionaalidest, kes demonstreerivad tehnikaid, konkreetsetele aspektidele keskendunud veebikursusi ja kogukondi, kus professionaalsed akordionistid jagavad strateegiaid ja kogemusi. Nende ressursside kvaliteet on tohutult erinev, seega on oluline eristusvõime. Video professionaalsest mängimisest hiilgavalt ei õpeta teile tingimata tehnikat kordama; vajate ressursse, mis selgitavad protsessi, mitte ainult tulemust.

Viga, mida me näeme, on sisu passiivse imendumise segamine aktiivse õppimisega. Võite vaadata 100 videot professionaalidest, kes mängivad akordioni, kuid kui te ei harjuta teadlikult seda, mida näete, ei arene see. Parimad ressursid on need, mida saate peatada, proovida jäljendada, harjutada korduvalt ja nende juurde tagasi pöörduda. Lisaks on professionaalse akordionisti õpetaja leidmine absoluutselt hindamatu. See ei puuduta tunde kord nädalas; see on selle kohta, et teil on keegi, kes mõistab pilli professionaalsel tasemel, kes suudab harjumusi enne kristalliseerumist korrigeerida.

Teiste akordionistide, eriti professionaalidega suhtlemine pakub perspektiivi ja motivatsiooni. Osalemine võistlustel, töötubades ja meistriklassides koos professionaalsete muusikutega pakub kokkupuudet erinevate tehnikate ja mentaliteetidega. Paljud spetsialistid on alustanud oma teekonda, osaledes teise professionaali kontserdil, kes inspireeris neid intensiivsemalt treenima. Otsige seda kogukonda aktiivselt; olge oma väljakutsete suhtes haavatav ja avatud tagasisidele. Enamik akordioniprofessionaale on oma oskusi arendanud teiste spetsialistide pideva abiga, mitte isoleeritult.

KKK Korduma kippuvad küsimused täiustatud Acordeoni tehnikate kohta

Kui kaua võtab aega nende arenenud tehnikate omandamine? Spetsialistid pühendavad tavaliselt 5-10 aastat iga päev harjutamisele, enne kui saavutate tõelise meisterlikkuse. Siiski võite hakata nendest tehnikatest kasu saama mõne kuu jooksul pärast keskendunud praktikat.

Millist tehnikat peaksin kõigepealt õppima? Soovitatav on alustada lõõtsa kontrollist, kuna see on kõige muu alus. Seejärel töötage käte sõltumatuse ja plaatide valdamise nimel. Teised tehnikad on lihtsamad, kui need kolm on kindlad. Enne järgmise alustamist ei pea te siiski ühte täielikult valdama; edasiminek on iteratiivne.

Kuidas ma tean, kas ma harjutan õigesti? Salvesta end regulaarselt ja võrdle sama repertuaari mängivate professionaalidega.Otsi tagasisidet kogenumatelt õpetajatelt või muusikutelt.Kui pärast nädalaid kestnud praktikat ei märka sa edusamme, siis tõenäoliselt harjutad sa mehaaniliselt ilma teadliku keskendumiseta.

Kas akordionistiil, mida ma mängin, on nende tehnikate õppimisel oluline? Absoluutselt. Tango akordion erineb klassikalise muusika akordionist oluliselt lõõtsa tundlikkuse, nupukindluse ja tonaalse kvaliteedi poolest. Põhitehnikad töötavad kõigil peale konkreetse rakenduse on erinev. Õppige spetsialiste, kes mängivad teiega sama tüüpi instrumenti.

Kas sa saad neid tehnikaid õppida ilma õpetajata? See on võimalik, kuid palju aeglasem ja suurem oht halbade harjumuste tekkeks. Professionaalne õpetaja võib teid säästa kuudepikkusest ebaefektiivsest praktikast ja lahendada probleeme enne, kui need juurduvad. Kui te ei saa endale lubada õpetaja kohta maksmist, investeerige kvaliteetsetesse veebikursustesse ja leidke akordionistide kogukonnas mentoreid.

Kui palju peaksin igapäevaselt harjutama, et jõuda professionaalsele tasemele? Spetsialistid harjutavad tavaliselt 1 kuni 3 tundi päevas, millele lisanduvad vajadusel rühma- või esinemisproovid. Kvaliteet ületab aga kvantiteedi. Tund intensiivselt keskendunud praktikat on mehaaniliselt väärt rohkem kui kolm tundi.

Kuidas ma pika õppeprotsessi ajal motivatsiooni säilitan? Sea igal nädalal väikesed, saavutatavad eesmärgid. Mängi muusikat, mida armastad, mitte ainult tehnilisi õpinguid. Ühenda teiste akordionistidega. Mängi avalikult regulaarselt, isegi mitteametlikes kontekstides. Tähista väikest edasiminekut. Pea meeles, miks sa üldse akordioni mängima hakkasid. Professionaalid, kes on selle karjääri jooksul aastakümneid kestnud, on seda teinud, sest nad armastavad pilli, mitte ainult sellepärast, et nad valdavad tehnikat.

Järeldus: tehnikast tõelise professionaalsuseni

Täiustatud tehnikad, mida spetsialistid iga päev kasutavad, ei ole kättesaamatud saladused. Need on oskused, mida saab õppida, arendada ja täiustada tahtliku praktika, pideva tagasiside ja pidevale täiustamisele pühendumise kaudu. Polli juhtimine, käte sõltumatus, plaatide valdamine, täiustatud vibrato, keerukas artikulatsioon ja muusikaline fraseerimine on kõik olulised komponendid, mis muudavad akordioni mängiva inimese kellekski, kes on tõeliselt muusik.

Vigade üle, mida me siin arutame, ei ole moraalsed vead; need on lihtsalt tavalised kõrvalekalded muusikalise õppimise teel. Nende vigade tegemise koha äratundmine on esimene samm nende parandamiseks. Võib-olla jätate lõõtsa kui väljendusrikka vahendi tähelepanuta, harjutate mehaaniliselt ilma muusikalise peegelduseta, väldite väljakutseid pakkuvaid palasid või ei salvesta end piisavalt. Igal neist probleemidest on selge ja praktiline lahendus, mida saate kohe rakendama hakata.

See, mis eristab professionaale pühendunud amatööridest, ei ole kaasasündinud anne (kuigi see aitab), vaid järjepidevus, kriitiline refleksioon ja valmisolek olla ebamugav täiustamise teenistuses. Spetsialistid jätkavad oma tehnika õppimist ja viimistlemist aastakümnete pikkuse karjääri jooksul, sest nad mõistavad, et muusika on elav kunst, alati arenev. Kui soovite tõsiselt akordionis professionaalsele tasemele jõuda, rakendage praktikastruktuure, mida arutasime, vältige levinud vigu, mida oleme tuvastanud, ja pühendage end protsessile kannatlikkuse ja tahtliku kavatsusega. Tee on pikk, kuid absoluutselt saavutatav kõigile, kes seda tõesti soovivad läbida.